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Un portrait est une représentation figurative d’un ou plusieurs êtres vivants, tel qu’une personne ou un animal, ou bien un groupe de gens. Autrefois, le terme englobait aussi les sculptures.
Pour réaliser une telle œuvre, un artiste aura besoin d’un « modèle », il s’agit du sujet qui pose pour un portrait.
Traditionnellement, les gens s’assoient devant l’artiste pour faire peindre leur portrait. Mais, de nos jours, les artistes peuvent travailler à partir d’une simple photographie.
Les portraits sont jugés efficaces et convaincants lorsqu’ils racontent une histoire sur le sujet.
En effet, un bon portrait n’est pas seulement une représentation visuelle d’une personne ; il révélera également l’essence de la personne.
Ce que le portrait révèle n’est peut-être pas toujours évident. Parfois, il peut être intelligemment expliqué par une certaine expression ou pose, un objet inclus ou l’utilisation de certaines couleurs par l’artiste.
Parfois, la personne dans le portrait peut devenir emblématique, représentant un groupe plus large de personnes sur une période donnée, qui partagent des idéaux, des causes, des passions… en commun.
Un portrait fort sait capture et retenir l’attention des spectateurs. Une telle peinture de portrait amène le spectateur à s’interroger sur la personne représentée.
De cette manière, une peinture de portrait ou un dessin peut fonctionner comme une biographie, racontant la vie de cette personne.
Pour raconter l’histoire de la personne, l’artiste élaborera soigneusement des indices visuels dans l’œuvre d’art.
Les portraits peuvent aussi révéler la place du modèle dans la société, ses passe-temps ou sa profession. Parfois, certains aspects de sa personnalité ou de ses croyances se retrouvent dans le tableau.
Alors, que vous demandez-vous, lorsque vous regardez un portrait ?
Examinez des détails comme :
Comme vous pouvez le voir, les portraits peuvent nous en dire long sur le ou les personnages représentés dans l’œuvre d’art.
Toutefois, la manière dont l’artiste gère la technique nous en dira aussi beaucoup sur l’intention présente derrière l’œuvre.
En effet, les peintres portraitistes peuvent utiliser n’importe quel style de leur choix pour créer leur œuvre d’art, chacun ayant un effet différent sur le ton général de la pièce.
Par ailleurs, la peinture de portrait est un genre artistique où l’accent est mis sur le sujet humain.
Ainsi, le visage, l’expression, la personnalité et même l’essence intérieure du modèle sont souvent saisis par l’artiste dans les plus grands portraits.
La connaissance détaillée de l’anatomie et de la lumière ainsi que l’intérêt pour la façon dont les humains enregistrent leurs émotions sont alors souvent des facteurs clés de la réussite d’un portrait.
De nombreux artistes parmi les plus connus de l’histoire, dont Léonard de Vinci et Pablo Picasso, ont exploré le portrait.
L’artiste néerlandais du 17e siècle Rembrandt van Rijn est peut-être le plus grand maître du portrait de groupe.
Tandis que l’artiste mexicaine du 20e siècle Frida Kahlo est la peintre d’autoportraits la plus renommée.
Voici quelques portraits les plus célèbres :
Picasso est sans doute le plus grand peintre de tous les temps et ce tableau est son portrait le plus célèbre.
Il représente sa maîtresse française, Marie-Thérèse Walter.
Contrairement à sa future maîtresse Dora Maar que Picasso a souvent peinte comme torturée ou menaçante, Marie-Thérèse apparaît généralement blonde, ensoleillée et lumineuse dans ses peintures.
Picasso a créé de nombreuses œuvres comportant des éléments d’érotisme et le contenu érotique de ce portrait est souvent noté.
En mars 2013, Le Rêve s’est vendu dans le cadre d’une vente privée pour 155 millions de dollars. Ce qui en fait le cinquième tableau le plus cher jamais vendu à l’époque.
Ce prix est aussi le deuxième plus élevé jamais payé pour acquérir un tableau de Picasso après Les Femmes d’Alger, qui a été vendu pour 179,4 millions de dollars en mai 2015.
Rembrandt van Rijn est considéré comme l’un des plus grands artistes de l’histoire.
La Ronde de Nuit s’est vu commandée par le capitaine Frans Banninck Cocq ainsi que 17 des membres de sa compagnie de gardes civils.
Le titre approprié du tableau serait “La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch”.
Cependant, en raison de l’impression sombre qu’il fait sur le spectateur, il est connu sous le nom de La Ronde de nuit.
Composé de 34 personnages, ce chef-d’œuvre colossal représente la compagnie, dirigée par Cocq et Ruytenburch, se dirigeant vers le spectateur.
Sa renommée repose sur plusieurs facteurs, notamment sa taille énorme de 3,63 x 4,37 mètres, sa représentation cohérente, dynamique et réaliste, l’utilisation brillante de la lumière et des ombres par l’artiste.
Sans oublier la parfaite maîtrise de Rembrandt pour faire croire au spectateur que les personnages du tableau, de taille presque humaine, sont sur le point de sauter de la toile et de pénétrer dans l’espace réel.
La Ronde de nuit est l’une des œuvres les plus connues en matière de portrait de groupe et c’est le tableau le plus célèbre non seulement de Rembrandt, mais de tout l’âge d’or néerlandais.
Léonard de Vinci est considéré comme la figure prééminente de la Renaissance italienne, qui a excellé dans de nombreux domaines, dont l’art.
La Joconde a été acclamée comme l’œuvre d’art la plus connue, la plus visitée, la plus écrite, la plus chantée et la plus parodiée au monde.
Sa célébrité repose notamment sur le sourire insaisissable de la femme. Raison pour laquelle, elle est également connue sous le nom de “La Joconde”.
Basé sur les récits d’un ancien biographe, le tableau est une image de Lisa Gherardini, la femme d’un commerçant.
Pour De Vinci, Mona Lisa a toujours été un travail en cours, car c’était sa tentative de perfection.
Néanmoins, le tableau n’a jamais été livré à son commanditaire. Il l’a conservé avec lui jusqu’à la fin de sa vie.
Selon le Guinness des records, la Joconde a la valeur d’assurance la plus élevée de l’histoire pour un tableau.
En effet, elle était évaluée à 100 millions de dollars le 14 décembre 1962. Ce qui, après ajustement de l’inflation, serait équivalent à 800 millions de dollars de nos jours.
Ci-dessous, nous avons rassemblé quelques possibilités sur la façon dont un artiste peut gérer ses peintures et crayons lors de la création d’un portrait.
Si vous souhaitez peindre un portrait, mais que vous ne savez pas par où commencer, considérez toutes ces possibilités sur l’apparence d’un portrait.
Les portraits peuvent aussi être une multitude d’autres styles.
Le fait est qu’ils n’ont pas toujours l’air réaliste.
Le style choisi par l’artiste modifie l’effet du portrait sur le spectateur.
Les portraits sont tous très différents et chacun portera une signification différente.
Des combinaisons de couleurs étranges ou surprenantes peuvent être utilisées à bon escient dans la peinture de portrait. D’ailleurs, c’est un excellent moyen de transmettre des émotions.
Pour d’autres exemples, voyez les portraits de Picasso peints pendant sa période bleue , ou les autoportraits de Van Gogh
Le coup de pinceau est un autre moyen efficace de transmettre des émotions dans la peinture de portrait.
Cependant, les portraits délicats et détaillés portent souvent une certaine sensibilité et prévenance.
À l’inverse, un artiste utilisant des coups de pinceau rugueux et saccadés aborde la peinture de portrait sous un angle différent et plus expressif.
Les objets inclus dans la peinture fournissent des indices visuels sur la personne représentée.
Bien que le visage reste souvent le point focal, l’inclusion d’autres objets peut souvent ajouter des éléments intéressants à l’œuvre d’art.
Toutefois, les peintures qui ne montrent que le visage ou le corps de la personne exigent que toute la concentration du spectateur se focalise vers la partie représentée.
Le portrait peut chercher à reproduire la réalité en donnant à la figure un aspect sculptural, comme si elle existait vraiment dans un espace tridimensionnel.
Néanmoins, l’artiste peut jouer avec la double dimension de la surface plane et réaliser un portrait qui ne cherche pas à émerger du plan de l’image.
La plupart des gens pensent probablement que les portraits finis sont entièrement recouverts de peinture, jusqu’aux bords.
Ce qui n’est pas toujours le cas.
Souvent, laisser de grandes parties de l’œuvre d’art vierges peut créer des compositions de portraits très intrigantes.
Il s’agit, ainsi, de suggérer ce qui est là, plutôt que de montrer ce qui est là.
Chacun de ces choix affectera la manière dont le portrait est perçu par le spectateur. Ce ne sont là que quelques exemples de choix que font les artistes lorsqu’ils composent un portrait. Mais il y en a encore bien plus !
Pour commencer, les portraits peuvent montrer la silhouette complète de la personne, ou simplement la tête, ou toute combinaison entre les deux.
Un portrait peut même se concentrer sur une partie ou une région spécifique du corps de la personne, oubliant le reste.
La pose est également importante.
En effet, le modèle peut être représenté de face, en 1/4 de tour, capturée de profil ou tournée de 3/4.
Enfin, la taille d’un portrait mérite également d’être mentionnée.
Du XVIe au XVIIIe siècle en Europe, l’art des portraits miniatures à la gouache ou à l’aquarelle faisait fureur.
Toutefois, avant l’invention de la photographie, les portraits miniatures remplissaient une fonction similaire à celle des photos aujourd’hui.
Ainsi, ces minuscules œuvres d’art mesuraient parfois 30 cm x 40 cm !
D’un autre côté, les portraits peuvent aussi être énormes.
Un exemple extrême est le portrait de Barack Obama par l’artiste cubano-américain Jorge Rodriguez-Gerada. La taille exacte de ce portrait est de 139,28 sur 82,67 mètres.
Ainsi, la plupart des portraits se situent quelque part entre ces deux extrêmes !
Un artiste peut choisir de représenter une personne exactement telle qu’elle est, avec ses défauts, de sorte que chaque bouton ou cicatrice soit clairement représenté dans la peinture pour que tous les voient.
Les artistes peuvent aussi exagérer les caractéristiques du sujet, bonnes ou mauvaises, pour faire une caricature de la personne.
Par contre, à l’inverse, un artiste peut « gentiment ignorer » les défauts de la personne, corriger les imperfections et présenter une vision idéalisée d’une personne.
Tout dépend de ce que l’artiste veut réaliser avec l’œuvre, et aussi de ce qu’il compte en faire.
Par exemple, un collectionneur privé qui commande un portrait spécial pourrait préférer que ses défauts soient supprimés.
Espérons que cet article vous a donné beaucoup d’informations utiles pour la composition de vos propres portraits !!!
Maintenant à vous de jouer !!!
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