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En tant qu’artistes, nous passons beaucoup de temps à perfectionner notre peinture. Et puis, après des heures de travail sur un tableau, épuisés et confrontés à une échéance, on néglige souvent la partie la plus importante du processus… Photographier notre œuvre !
Et quand nous nous rappelons de cette étape cruciale, bon nombre d’entre nous ignorent ou négligent les détails et se contentent de quelques clichés bâclés avant d’expédier l’œuvre d’art.
En règle générale, il est de la responsabilité de l’éditeur de numériser une œuvre d’art originale.
Alors, pourquoi faut-il se donner la peine de le faire soi-même ? A vrai dire, vous devrez photographier vos œuvres pour de nombreuses raisons :
C’est ainsi qu’une bonne photographie offre la première impression de votre art et de votre professionnalisme.
Si vous réalisez plusieurs œuvres par mois, la facture risque de grimper rapidement. Alors que votre argent peut être mieux investi dans un bel équipement photo !
Nous voyons fréquemment des artistes avec des œuvres d’art incroyables, mais avec des images prises dans des environnements mal éclairés qui déforment l’œuvre originale.
Et pourtant, photographier correctement votre travail fera une grande différence pour être accepté, séduire un client important, ou convaincre un directeur de galerie.
Alors, nous avons rassemblé, ci-dessous, quelques directives pour photographier vos œuvres d’art comme un vrai professionnel.
La photographie est généralement préférée au scanner pour deux raisons :
Un appareil photo capture mieux la façon dont un œil humain perçoit l’art original, en particulier si vous travaillez avec plusieurs couches de glaçage.
Une photographie semble également mieux conserver la sensation de luminosité et de transparence.
Bien sûr, la technique idéale dépendra de nombreux paramètres, comme le type de surface sur lequel vous travaillez, ou encore les supports que vous utilisez.
Par exemple, si vous travaillez sur du papier avec un support au fini mat comme la gouache ou l’aquarelle, vous obtiendrez probablement de meilleurs résultats avec un scanner.
Par temps nuageux, vous pouvez obtenir une très belle photo à l’extérieur.
La lumière naturelle peut contribuer à photographier efficacement votre travail tant qu’elle est indirecte.
De plus, certaines lumières artificielles ont des couleurs manquantes et des « pointes » dans le spectre.
Mais, cela ne se comparera jamais à la cohérence d’un environnement de studio contrôlé.
Le principe de base pour obtenir une bonne photo est d’éclairer votre peinture avec une lumière aussi douce et uniforme que possible.
Pour ce faire, le moyen le plus simple est d’utiliser des stroboscopes et des parapluies. En effet, les parapluies rebondis reflètent non seulement la lumière vers l’arrière, mais ils l’adoucissent et la diffusent.
Une lumière douce est très importante. D’ailleurs, si la lumière est trop directe, certaines zones de la peinture seront plus lumineuses que d’autres, créant des « points chauds » ou des couleurs délavées. Une lumière plus douce permet également d’éviter les ombres et les reflets durs.
On voit régulièrement des œuvres d’art photographiées, adossées à un mur et prises d’un angle vers le bas.
Pour bien accrocher votre œuvre, choisissez d’abord un mur de couleur neutre, soit blanc, noir ou gris.
Puis, accrochez votre travail à une hauteur où le milieu de votre pièce sera parallèle à l’endroit où sera votre appareil photo. Il sera posé soit sur un trépied, soit sur une table ou une autre surface pour plus de stabilité.
Si vous n’avez pas d’équipements d’éclairage, cela signifie que vous devez compter sur les luminaires de votre maison ou sur la lumière du jour.
Le problème avec les luminaires, c’est qu’elles projettent invariablement des ombres.
Si vous avez des plafonniers, par exemple, et que vous posez votre image à plat sur une table ou au sol, il est pratiquement impossible de ne pas projeter votre propre ombre lorsque vous vous penchez pour prendre votre photo.
Si vous devez donc photographier votre travail à l’intérieur, faites-le dans une pièce avec beaucoup de fenêtres laissant pénétrer la lumière naturelle.
En d’autres termes, le moyen le plus simple d’obtenir un bon éclairage est d’aller à l’extérieur.
En effet, certains artistes préfèrent photographier leur travail à l’extérieur par temps nuageux ou couvert, car la lumière indirecte du soleil fournit le meilleur éclairage.
Parce que vous avez une seule source de lumière, le soleil, évidemment, il est assez facile de vous positionner d’un côté de la photo et de prendre une photo au-dessus sans projeter votre propre ombre.
La qualité et la dispersion de la lumière, même en hiver, sont également bien meilleures que toutes les lumières de votre maison.
La lumière du jour est appelée éclairage à spectre complet, car elle contient toutes les différentes longueurs d’ondes colorées.
Si la météo ne coopère pas, ou si vous êtes confronté à une date limite pour envoyer votre travail de peinture, vous devrez mettre en place un système d’éclairage.
La bonne nouvelle est que vous n’avez pas à dépenser des sommes folles pour un cadre professionnel si vous n’êtes pas prêt à investir. En fait, tout ce dont vous aurez besoin est de deux lumières au minimum pour un travail en 2 dimensions.
En effet, vous pouvez utiliser des supports d’éclairage à ampoules réglables ou des lampes à pince.
Placez les lumières à mi-chemin entre la caméra et la toile, à un angle de 45 degrés pointant vers le mur. Cela aidera à éliminer les ombres et les points chauds sur la peinture.
Si vous avez des parapluies pour vos lumières, utilisez-les.
Cependant, si vous n’avez pas de kit d’éclairage de qualité professionnelle, vous pouvez facilement “pirater” la diffusion de la lumière à l’aide d’une feuille blanche ou de plastique blanc placé entre les lumières et votre travail.
Cela aide d’ailleurs à répartir uniformément la lumière.
Photographier votre peinture sous des ampoules domestiques, à faible rendu des couleurs, à l’intérieur, empêchera l’appareil photo de capturer toutes les différentes couleurs de votre image.
C’est une étape simple, mais nous trouvons encore sur des sites spécialisés des photos d’œuvres d’art légèrement floues.
Si vous utilisez un appareil photo numérique, réglez-le sur l’autofocus pour éviter les mauvaises surprises.
Aussi, prenez quelques photos pour tenir compte des ajustements effectués par l’appareil photo.
Si vous utilisez une tablette ou un téléphone, la mise au point automatique sera également intégrée, mais ce n’est pas aussi fiable.
Dans ce cas également, prenez au moins trois ou quatre photos, à des distances légèrement différentes, en attendant à chaque fois quelques secondes avant de faire une nouvelle prise. Cette technique permet ainsi à l’appareil photo de s’ajuster.
En outre, la lumière naturelle est largement plus lumineuse que vos ampoules domestiques. De ce fait, elle permet à l’appareil photo d’utiliser automatiquement une vitesse d’obturation plus rapide. De ce fait, vous pouvez tenir votre téléphone sans utiliser de trépied et sans risque de flou.
Si vous utilisez un iPhone ou un iPad, vous savez probablement déjà comment définir le focus.
Pour les non-initiés, maintenez l’objectif appuyé sur l’objet affiché sur votre écran sur lequel vous souhaitez vous concentrer.
Une fois votre œuvre d’art fixée au mur, vérifiez que la caméra est réglée sur l’objectif, et aligné avec le milieu de la peinture.
Vous devez positionner votre appareil photo de manière à ce que le cadre soit rempli de la majeure partie de la peinture, avec un peu d’arrière-plan que vous pourrez rogner plus tard.
De plus, il est important pour de nombreux juges de voir les bords des peintures pour avoir une idée de l’échelle.
En outre, l’ISO et l’ouverture de votre appareil photo sont très importantes pour obtenir des images claires, nettes et lumineuses de votre illustration.
Pour info, l’ISO fait référence à la vitesse du film utilisée pour mesurer. Plus le nombre est élevé, plus le film est sensible à la lumière et plus l’image est grossière.
Dans ce cas, puisque nous voulons des images très nettes, nous aurons besoin d’un ISO bas.
Les prises de vue en studio seront donc, généralement, prises à 100 ISO.
De même, le F-stop de l’ouverture de votre appareil photo ajuste la quantité de lumière qui passe à travers l’objectif en agrandissant ou en réduisant l’ouverture.
Plus le nombre est élevé, moins il y a de lumière. Ainsi, avec un reflex numérique, la plage idéale pour photographier des œuvres d’art se situe entre f-8 et f-11.
Enfin, pensez à régler la minuterie de votre appareil photo sur quatre ou cinq secondes. Appuyer directement sur le déclencheur pourrait effectivement altérer la qualité de l’image si vous tremblez par exemple.
Lorsque votre peinture semble hors de perspective, cela enlève tout le travail acharné que vous avez mis dans la précision pour créer un dessin ou une peinture.
En effet, cela pourrait créer un visage allongé dans un portrait, ou des jambes, voire même des bras plus courts sur une photographie.
La clé est de s’assurer que l’angle de votre peinture et l’angle de votre appareil photo sont les mêmes.
Également, si vous avez deux angles de sortie, cela peut déformer les bords de manière assez spectaculaire.
Si vous utilisez un iPhone, il existe dessus une aide intégrée pour vous assurer du bon alignement.
Les photos de peintures dans les livres ou les sites Web de galeries sont presque toujours recadrées pour nettoyer les bords.
Utilisez l’outil de recadrage pour recentrer votre image et éviter au spectateur d’être distrait par l’arrière-plan.
Il existe de nombreuses alternatives de logiciels de retouche photo gratuits ou peu coûteux qui aideront à minimiser les incohérences.
Alors que Photoshop règne toujours en maître, Photoshop Eléments ou Gimp permettent d’accéder à des fonctionnalités plus basiques.
Ces logiciels permettront notamment la correction des couleurs, le recadrage et d’autres ajustements mineurs.
Lightroom propose également un programme d’édition par abonnement. Les photographes professionnels ne jurent que par lui.
Éditer numériquement votre photo après coup n’est ni malhonnête ni «tricherie» … tant que vous n’allez pas trop loin !
En fait, une touche d’édition se perçoit comme un moyen de recréer l’aspect et la sensation du dessin ou de la peinture. Tout comme ce serait le cas à l’œil nu avec les conditions de lumière du jour.
La retouche qui peut causer une légère controverse dans la liste « autorisée » est le changement de contraste.
En effet, modifier le contraste change le rendu de certains objets par rapport à d’autres !
En fait, vous ne pouvez pas modifier numériquement le contraste d’une image dans son ensemble.
Mais, tout comme si vous recréez des conditions d’éclairage, par exemple d’un studio, d’une galerie ou de l’extérieur ; si vous avez pris une photo sous une lumière vive et que les tons sombres semblent un peu délavés, ce ne sera pas une vraie représentation de votre photo.
À vrai dire, ces tons sombres peuvent sembler noirs de jais dans une lumière plus douce.
Néanmoins, il sera difficile de corriger un dessin ou une peinture avec une mauvaise utilisation des valeurs en ajustant le contraste.
Il y a, bien sûr, de nombreuses nuances et astuces supplémentaires qui pourraient être ajoutées à cet article. Cependant, si vous cherchez à améliorer vos photographies et à vous représenter professionnellement sur votre page Facebook, c’est un excellent point de départ.
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